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The series Drive-In dates from 2002.
The Drive-In movie theater where the love of cars and film merged, an American institution dating to the 1930’s, is slowly disappearing.
I shot the entirety of this body of work in the span of a week while I was on a brief vacation break in Florida. I stumbled upon a massive Drive-In megaplex. It would double as a massive outdoor flea market during the day and in the evenings it would transform into this wonderfully bizarre space: an arena with multiple screens where different movies were projected simultaneously. It was a wonderfully American moment, for an immigrant and a New Yorker, to find myself in this place.
Naturally I took the tripod and the 6x6 Rolleiflex out of the trunk of the rental car and started shooting frames. Digital photography cameras were still rather basic and rare. I accepted the limitations of shooting with a film camera. In fact I discovered that these limitations became the strength of this series in the end.
To begin with, having to set up a tripod in a Drive-In theater is not a small feat. The challenge became apparent immediately as I was confronted by a security guard who thought I was shooting video to produce bootleg copies of the movies being projected. This one time I was lucky enough because the guard recognised my Rollei. His father used one when he was a kid to take family snapshots. So he allowed me to continue shooting but asked me to try and be discreet. Up north in the New York metropolitan area, security guards were not as understanding.
A few months later, I tried to replicate this experience up north in a Drive-In up near New York City. This time a friend and I were chased out by security.They had no interest in hearing about my artistic musings about recording the passing of time in the form of superimposed collage-like image-improvisations. So we had to drive out of the Drive-In and rather fast.
The American photographer Robert Adams, writes about the hardships photographers face often under the harassment of overzealous guards, the police and other bullies, who just do not understand the artistic drive and the unusual places it takes some of us photographers.
Another interesting limitation of shooting long exposures on film with a tripod, was the improvisational character of it all. In order for an image to be recorded on the film, the aperture had to be placed on the B setting, in order to stay open for a long exposure. Because I wanted both the blurry superimposed image on the screen, and the rest of the surrounding environment to be as sharp as possible.
During this time of exposure, I was not in control of what was being projected onto the screen. This resulted in interesting abstract compositions.
For example in Drive-In 1, there is a rather symbolic and mysterious female figure. And in combination with the number 1 designating the screen, the narrative became already intricate. A female form and the number one having some powerful resonances and associations. Nevermind that the movie playing on the screen was a light romantic Hollywood movie.
These recorded images, recorded time really, often have a deep mysterious feeling. As if those figures or abstractions recorded emerged out of the collective subconscious.
Today digital cameras are very efficient at capturing low light images. There is no need for a tripod, even a handheld camera can produce an acceptable and well illuminated scene at night. But back then, not only did I have to develop the film before I could see the results, if in fact there was anything at all registered on the film. But I also could not really pinpoint the final image recorded on these screens.
The long exposure produced an effect similar to double or multiple exposures. But there was much more as the motion and the continuing projection on the screen made intriguing superimpositions of light where faces start to appear and disappear in clouds of light. Contrasted with the actual cloudy sky of the Florida winter, a strange continuum was captured, the interplay of sky and screen, as the cars are mostly in shadow, creating the impression of screens floating in a metallic sea.
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La série Ciné-parc date de 2002.
Le Drive-In où se confondaient l’amour de l’automobile et du cinéma, institution américaine datant des années 1930, disparaît peu à peu. J'ai pris l'intégralité de ce travail en l'espace d'une semaine alors que j'étais en vacances en Floride. Je suis tombé sur un énorme ciné-parc Mégaplex. Il était utilisé comme marché aux puces en plein air le jour et, le soir, il se transformait en cet espace merveilleux et bizarre : une arène avec plusieurs écrans où différents films étaient projetés simultanément. En tant qu’immigré et New Yorkais, cet instant tout à fait américain a été absolument magique.
Naturellement, j'ai sorti le trépied et le Rolleiflex 6x6 du coffre de la voiture de location et j'ai commencé à prendre des cadres. Les appareils photo numériques étaient encore assez basiques à l'époque. J'ai accepté les limites de la prise de vue avec un appareil photo argentique. Finalement, j'ai découvert que ces limitations étaient devenues la force de cette série.
Pour commencer, installer un trépied dans un ciné-parc n'est pas une mince affaire. Le défi est devenu évident immédiatement lorsque j'ai été confronté à un agent de sécurité qui pensait que je tournais une vidéo pour produire des copies clandestines des films projetés. Cette fois, j'ai eu de la chance car le garde a reconnu mon Rollei. Son père en utilisait un lorsqu'il était enfant pour prendre des photos de famille. Il m'a donc permis de continuer à tourner mais m'a demandé d'essayer d'être discret.
Quelques mois plus tard, j'ai essayé de reproduire cette expérience dans un ciné-parc près de New York. Cette fois-ci, un ami et moi avons été chassés par la sécurité. Ils n'avaient aucun intérêt à entendre parler de mes réflexions artistiques sur l'enregistrement du temps qui passe sous la forme d'improvisations d'images de type collage superposées. Nous avons donc dû sortir du ciné-parc et très rapidement.
Le photographe américain Robert Adams écrit sur les difficultés auxquelles les photographes sont souvent confrontés: le harcèlement de gardes trop zélés, de la police et d'autres brutes, qui ne comprennent tout simplement pas la dynamique artistique et les endroits inhabituels où elle emmène certains d'entre nous.
Une autre limitation intéressante de la prise de vue de longues expositions sur film avec un trépied était son caractère improvisé. Pour qu'une image soit enregistrée sur le film, l'obturateur devait être placé sur le réglage B, afin de rester ouvert pendant une longue pose. Parce que je voulais à la fois l'image floue superposée sur l'écran, tandis que le reste de l'environnement est mis au point aussi net que possible.
Pendant cette période d'exposition, je ne contrôlais pas ce qui était projeté sur l'écran. Cela a abouti à des compositions abstraites intéressantes. Je pensais que ce processus de photographie avait des similitudes avec l'improvisation jazz. Nous avons une mélodie ou un air général mais son développement et son départ sont laissés ouverts et soumis au hasard ou à d'autres facteurs non déterminés.
Par exemple, dans Drive-in 1, il y a une figure féminine assez symbolique et mystérieuse. Et en combinaison avec le chiffre 1 désignant l'écran, le récit est déjà devenu complexe avec de puissantes résonances et associations. Peu importe que le film diffusé à l'écran soit un film hollywoodien léger et romantique.
Ces images enregistrées, le temps enregistré vraiment, véhiculent souvent un profond sentiment mystérieux. On dirait que ces figures ou ces abstractions nous reviennent des profondeurs comme des souvenirs flous ou qu’elles viennent du subconscient.
Ces longue exposition sur film ont produit un effet similaire à des expositions doubles ou multiples. Mais il y avait bien plus encore puisque le mouvement et la projection continue sur l'écran créaient d'intrigantes superpositions de lumière où les visages commençaient à apparaître et à disparaître dans des nuages de lumière. En contraste avec le ciel nuageux de l'hiver en Floride, un étrange continuum a été capturé, l'interaction du ciel et de l'écran, les voitures étant pour la plupart dans l'ombre, créant l'impression d'écrans flottant dans une mer métallique.
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The series Drive-In dates from 2002.
The Drive-In movie theater where the love of cars and film merged, an American institution dating to the 1930’s, is slowly disappearing.
I shot the entirety of this body of work in the span of a week while I was on a brief vacation break in Florida. I stumbled upon a massive Drive-In megaplex. It would double as a massive outdoor flea market during the day and in the evenings it would transform into this wonderfully bizarre space: an arena with multiple screens where different movies were projected simultaneously. It was a wonderfully American moment, for an immigrant and a New Yorker, to find myself in this place.
Naturally I took the tripod and the 6x6 Rolleiflex out of the trunk of the rental car and started shooting frames. Digital photography cameras were still rather basic and rare. I accepted the limitations of shooting with a film camera. In fact I discovered that these limitations became the strength of this series in the end.
To begin with, having to set up a tripod in a Drive-In theater is not a small feat. The challenge became apparent immediately as I was confronted by a security guard who thought I was shooting video to produce bootleg copies of the movies being projected. This one time I was lucky enough because the guard recognised my Rollei. His father used one when he was a kid to take family snapshots. So he allowed me to continue shooting but asked me to try and be discreet. Up north in the New York metropolitan area, security guards were not as understanding.
A few months later, I tried to replicate this experience up north in a Drive-In up near New York City. This time a friend and I were chased out by security.They had no interest in hearing about my artistic musings about recording the passing of time in the form of superimposed collage-like image-improvisations. So we had to drive out of the Drive-In and rather fast.
The American photographer Robert Adams, writes about the hardships photographers face often under the harassment of overzealous guards, the police and other bullies, who just do not understand the artistic drive and the unusual places it takes some of us photographers.
Another interesting limitation of shooting long exposures on film with a tripod, was the improvisational character of it all. In order for an image to be recorded on the film, the aperture had to be placed on the B setting, in order to stay open for a long exposure. Because I wanted both the blurry superimposed image on the screen, and the rest of the surrounding environment to be as sharp as possible.
During this time of exposure, I was not in control of what was being projected onto the screen. This resulted in interesting abstract compositions.
For example in Drive-In 1, there is a rather symbolic and mysterious female figure. And in combination with the number 1 designating the screen, the narrative became already intricate. A female form and the number one having some powerful resonances and associations. Nevermind that the movie playing on the screen was a light romantic Hollywood movie.
These recorded images, recorded time really, often have a deep mysterious feeling. As if those figures or abstractions recorded emerged out of the collective subconscious.
Today digital cameras are very efficient at capturing low light images. There is no need for a tripod, even a handheld camera can produce an acceptable and well illuminated scene at night. But back then, not only did I have to develop the film before I could see the results, if in fact there was anything at all registered on the film. But I also could not really pinpoint the final image recorded on these screens.
The long exposure produced an effect similar to double or multiple exposures. But there was much more as the motion and the continuing projection on the screen made intriguing superimpositions of light where faces start to appear and disappear in clouds of light. Contrasted with the actual cloudy sky of the Florida winter, a strange continuum was captured, the interplay of sky and screen, as the cars are mostly in shadow, creating the impression of screens floating in a metallic sea.
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La série Ciné-parc date de 2002.
Le Drive-In où se confondaient l’amour de l’automobile et du cinéma, institution américaine datant des années 1930, disparaît peu à peu. J'ai pris l'intégralité de ce travail en l'espace d'une semaine alors que j'étais en vacances en Floride. Je suis tombé sur un énorme ciné-parc Mégaplex. Il était utilisé comme marché aux puces en plein air le jour et, le soir, il se transformait en cet espace merveilleux et bizarre : une arène avec plusieurs écrans où différents films étaient projetés simultanément. En tant qu’immigré et New Yorkais, cet instant tout à fait américain a été absolument magique.
Naturellement, j'ai sorti le trépied et le Rolleiflex 6x6 du coffre de la voiture de location et j'ai commencé à prendre des cadres. Les appareils photo numériques étaient encore assez basiques à l'époque. J'ai accepté les limites de la prise de vue avec un appareil photo argentique. Finalement, j'ai découvert que ces limitations étaient devenues la force de cette série.
Pour commencer, installer un trépied dans un ciné-parc n'est pas une mince affaire. Le défi est devenu évident immédiatement lorsque j'ai été confronté à un agent de sécurité qui pensait que je tournais une vidéo pour produire des copies clandestines des films projetés. Cette fois, j'ai eu de la chance car le garde a reconnu mon Rollei. Son père en utilisait un lorsqu'il était enfant pour prendre des photos de famille. Il m'a donc permis de continuer à tourner mais m'a demandé d'essayer d'être discret.
Quelques mois plus tard, j'ai essayé de reproduire cette expérience dans un ciné-parc près de New York. Cette fois-ci, un ami et moi avons été chassés par la sécurité. Ils n'avaient aucun intérêt à entendre parler de mes réflexions artistiques sur l'enregistrement du temps qui passe sous la forme d'improvisations d'images de type collage superposées. Nous avons donc dû sortir du ciné-parc et très rapidement.
Le photographe américain Robert Adams écrit sur les difficultés auxquelles les photographes sont souvent confrontés: le harcèlement de gardes trop zélés, de la police et d'autres brutes, qui ne comprennent tout simplement pas la dynamique artistique et les endroits inhabituels où elle emmène certains d'entre nous.
Une autre limitation intéressante de la prise de vue de longues expositions sur film avec un trépied était son caractère improvisé. Pour qu'une image soit enregistrée sur le film, l'obturateur devait être placé sur le réglage B, afin de rester ouvert pendant une longue pose. Parce que je voulais à la fois l'image floue superposée sur l'écran, tandis que le reste de l'environnement est mis au point aussi net que possible.
Pendant cette période d'exposition, je ne contrôlais pas ce qui était projeté sur l'écran. Cela a abouti à des compositions abstraites intéressantes. Je pensais que ce processus de photographie avait des similitudes avec l'improvisation jazz. Nous avons une mélodie ou un air général mais son développement et son départ sont laissés ouverts et soumis au hasard ou à d'autres facteurs non déterminés.
Par exemple, dans Drive-in 1, il y a une figure féminine assez symbolique et mystérieuse. Et en combinaison avec le chiffre 1 désignant l'écran, le récit est déjà devenu complexe avec de puissantes résonances et associations. Peu importe que le film diffusé à l'écran soit un film hollywoodien léger et romantique.
Ces images enregistrées, le temps enregistré vraiment, véhiculent souvent un profond sentiment mystérieux. On dirait que ces figures ou ces abstractions nous reviennent des profondeurs comme des souvenirs flous ou qu’elles viennent du subconscient.
Ces longue exposition sur film ont produit un effet similaire à des expositions doubles ou multiples. Mais il y avait bien plus encore puisque le mouvement et la projection continue sur l'écran créaient d'intrigantes superpositions de lumière où les visages commençaient à apparaître et à disparaître dans des nuages de lumière. En contraste avec le ciel nuageux de l'hiver en Floride, un étrange continuum a été capturé, l'interaction du ciel et de l'écran, les voitures étant pour la plupart dans l'ombre, créant l'impression d'écrans flottant dans une mer métallique.
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