Drive-in One, 2002

Text Français en bas de page 

The series Drive-in dates from 2002.

I shot the entirety of this body of work in the span of a week while I was on a brief vacation break in Florida. I stumbled upon a massive Drive-in megaplex. It would double as an outdoor flea market during the day and in the evenings it would transform into this wonderfully bizarre space:   an arena with multiple screens where different movies were projected simultaneously. It was a wonderfully American moment, for an immigrant and a New Yorker, to find myself in this place.


Naturally I took the tripod and the 6x6 Rolleiflex out of the trunk of the rental car and started taking frames. Digital photography cameras were still rather basic at the time. I accepted the limitations of shooting with a film camera. In fact I discovered that these limitations became the strength of this series in the end. 


To begin with, having to set up a tripod in a Drive-in theater is not a small feat. The challenge became apparent immediately as I was confronted by a security guard who thought I was shooting video to produce bootleg copies of the movies being projected. This one time I was lucky enough because the guard recognised my Rollei. His father used one when he was a kid to take family snapshots. So he allowed me to continue shooting but asked me to try and be discreet. Up north, security guards were not as understanding as this man.  


A few months later, I tried to replicate this experience in a Drive-in up near New York City. This time a friend and I were chased out by security.They had no interest in hearing about my artistic musings about recording the passing of time in the form of superimposed collage-like  image-improvisations. So we had to run out of the Drive-in and rafter fast. 


The American photographer Robert Adams, writes about the hardships photographers face often under the harassment of overzealous guards, the police and other bullies, who just do not understand the artistic drive and the unusual places it takes some of us.  


Another interesting limitation of shooting long exposures on film with a tripod, was the improvisational character of it all. In order for an image to be recorded on the film, the shutter had to be placed on the B setting, in order to stay open for anywhere from 20 to 30 seconds at F22.  Because I wanted both the blurry superimposed image on the screen, while the rest of the surrounding environment to be as sharp as possible. 

During this time of exposure, I was not in control of what was being projected onto the screen. This resulted in interesting abstract compositions. I thought of this process of photographing as having similarities with jazz improvisation. We have a general melody or tune but it's development and departure is left open-ended and subject to chance or other non determined factors.  


For example in Drive-in 1, there is a rather symbolic and mysterious female figure. And in combination with the number 1 designating the screen, the narrative became already intricate with some powerful resonances and associations. Nevermind that the movie playing on the screen was a light romantic Hollywood movie. 

These recorded images, recorded time really, often have a deep mysterious feeling. As if those figures or abstractions emerged out of the depths like hazy memories or out of the subconscious. 


30 seconds of continuing exposure produced an effect similar to double or multiple exposures. But there was much more as the motion and the continuing exposure on the screen made intriguing designs and scenes. I also love how these images often give the impression that the movie screens are floating on a dark ocean. 

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La série Ciné-parc date de 2002.

J'ai pris l'intégralité de ce travail en l'espace d'une semaine alors que j'étais en vacances en Floride. Je suis tombé sur un énorme ciné-parc Mégaplex. Il était utilisé comme marché aux puces en plein air le jour et, le soir, il se transformait en cet espace merveilleux et bizarre : une arène avec plusieurs écrans où différents films étaient projetés simultanément. En tant qu’immigré et New Yorkais, cet instant tout à fait américain a été absolument magique.

Naturellement, j'ai sorti le trépied et le Rolleiflex 6x6 du coffre de la voiture de location et j'ai commencé à prendre des cadres. Les appareils photo numériques étaient encore assez basiques à l'époque. J'ai accepté les limites de la prise de vue avec un appareil photo argentique. Finalement, j'ai découvert que ces limitations étaient devenues la force de cette série.

Pour commencer, installer un trépied dans un ciné-parc n'est pas une mince affaire. Le défi est devenu évident immédiatement lorsque j'ai été confronté à un agent de sécurité qui pensait que je tournais une vidéo pour produire des copies clandestines des films projetés. Cette fois, j'ai eu de la chance car le garde a reconnu mon Rollei. Son père en utilisait un lorsqu'il était enfant pour prendre des photos de famille. Il m'a donc permis de continuer à tourner mais m'a demandé d'essayer d'être discret.

Quelques mois plus tard, j'ai essayé de reproduire cette expérience dans un ciné-parc près de New York. Cette fois-ci, un ami et moi avons été chassés par la sécurité. Ils n'avaient aucun intérêt à entendre parler de mes réflexions artistiques sur l'enregistrement du temps qui passe sous la forme d'improvisations d'images de type collage superposées. Nous avons donc dû sortir du ciné-parc et très rapidement.

Le photographe américain Robert Adams écrit sur les difficultés auxquelles les photographes sont souvent confrontés: le harcèlement de gardes trop zélés, de la police et d'autres brutes, qui ne comprennent tout simplement pas la dynamique artistique et les endroits inhabituels où elle emmène certains d'entre nous.

Une autre limitation intéressante de la prise de vue de longues expositions sur film avec un trépied était son caractère improvisé. Pour qu'une image soit enregistrée sur le film, l'obturateur devait être placé sur le réglage B, afin de rester ouvert pendant 20 à 30 secondes à F22. Parce que je voulais à la fois l'image floue superposée sur l'écran, tandis que le reste de l'environnement est mis au point aussi net que possible.

Pendant cette période d'exposition, je ne contrôlais pas ce qui était projeté sur l'écran. Cela a abouti à des compositions abstraites intéressantes. Je pensais que ce processus de photographie avait des similitudes avec l'improvisation jazz. Nous avons une mélodie ou un air général mais son développement et son départ sont laissés ouverts et soumis au hasard ou à d'autres facteurs non déterminés.

Par exemple, dans Drive-in 1, il y a une figure féminine assez symbolique et mystérieuse. Et en combinaison avec le chiffre 1 désignant l'écran, le récit est déjà devenu complexe avec de puissantes résonances et associations. Peu importe que le film diffusé à l'écran soit un film hollywoodien léger et romantique.

Ces images enregistrées, le temps enregistré vraiment, véhiculent souvent un profond sentiment mystérieux. On dirait que ces figures ou ces abstractions nous reviennent des profondeurs comme des souvenirs flous ou qu’elles viennent du subconscient.

Ces 30 secondes d'exposition continue ont produit un effet similaire à des expositions doubles ou multiples. Le mouvement et l'exposition continue à l'écran ont créé des dessins et des scènes qui intriguent le spectateur du ciné-parc et de la photographie. J'aime aussi la façon dont ces images donnent souvent l'impression que les écrans de cinéma flottent sur un océan obscur.





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On Drive-in / Sur Ciné-parc

Drive-in One, 2002

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The series Drive-in dates from 2002.

I shot the entirety of this body of work in the span of a week while I was on a brief vacation break in Florida. I stumbled upon a massive Drive-in megaplex. It would double as an outdoor flea market during the day and in the evenings it would transform into this wonderfully bizarre space:   an arena with multiple screens where different movies were projected simultaneously. It was a wonderfully American moment, for an immigrant and a New Yorker, to find myself in this place.


Naturally I took the tripod and the 6x6 Rolleiflex out of the trunk of the rental car and started taking frames. Digital photography cameras were still rather basic at the time. I accepted the limitations of shooting with a film camera. In fact I discovered that these limitations became the strength of this series in the end. 


To begin with, having to set up a tripod in a Drive-in theater is not a small feat. The challenge became apparent immediately as I was confronted by a security guard who thought I was shooting video to produce bootleg copies of the movies being projected. This one time I was lucky enough because the guard recognised my Rollei. His father used one when he was a kid to take family snapshots. So he allowed me to continue shooting but asked me to try and be discreet. Up north, security guards were not as understanding as this man.  


A few months later, I tried to replicate this experience in a Drive-in up near New York City. This time a friend and I were chased out by security.They had no interest in hearing about my artistic musings about recording the passing of time in the form of superimposed collage-like  image-improvisations. So we had to run out of the Drive-in and rafter fast. 


The American photographer Robert Adams, writes about the hardships photographers face often under the harassment of overzealous guards, the police and other bullies, who just do not understand the artistic drive and the unusual places it takes some of us.  


Another interesting limitation of shooting long exposures on film with a tripod, was the improvisational character of it all. In order for an image to be recorded on the film, the shutter had to be placed on the B setting, in order to stay open for anywhere from 20 to 30 seconds at F22.  Because I wanted both the blurry superimposed image on the screen, while the rest of the surrounding environment to be as sharp as possible. 

During this time of exposure, I was not in control of what was being projected onto the screen. This resulted in interesting abstract compositions. I thought of this process of photographing as having similarities with jazz improvisation. We have a general melody or tune but it's development and departure is left open-ended and subject to chance or other non determined factors.  


For example in Drive-in 1, there is a rather symbolic and mysterious female figure. And in combination with the number 1 designating the screen, the narrative became already intricate with some powerful resonances and associations. Nevermind that the movie playing on the screen was a light romantic Hollywood movie. 

These recorded images, recorded time really, often have a deep mysterious feeling. As if those figures or abstractions emerged out of the depths like hazy memories or out of the subconscious. 


30 seconds of continuing exposure produced an effect similar to double or multiple exposures. But there was much more as the motion and the continuing exposure on the screen made intriguing designs and scenes. I also love how these images often give the impression that the movie screens are floating on a dark ocean. 

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La série Ciné-parc date de 2002.

J'ai pris l'intégralité de ce travail en l'espace d'une semaine alors que j'étais en vacances en Floride. Je suis tombé sur un énorme ciné-parc Mégaplex. Il était utilisé comme marché aux puces en plein air le jour et, le soir, il se transformait en cet espace merveilleux et bizarre : une arène avec plusieurs écrans où différents films étaient projetés simultanément. En tant qu’immigré et New Yorkais, cet instant tout à fait américain a été absolument magique.

Naturellement, j'ai sorti le trépied et le Rolleiflex 6x6 du coffre de la voiture de location et j'ai commencé à prendre des cadres. Les appareils photo numériques étaient encore assez basiques à l'époque. J'ai accepté les limites de la prise de vue avec un appareil photo argentique. Finalement, j'ai découvert que ces limitations étaient devenues la force de cette série.

Pour commencer, installer un trépied dans un ciné-parc n'est pas une mince affaire. Le défi est devenu évident immédiatement lorsque j'ai été confronté à un agent de sécurité qui pensait que je tournais une vidéo pour produire des copies clandestines des films projetés. Cette fois, j'ai eu de la chance car le garde a reconnu mon Rollei. Son père en utilisait un lorsqu'il était enfant pour prendre des photos de famille. Il m'a donc permis de continuer à tourner mais m'a demandé d'essayer d'être discret.

Quelques mois plus tard, j'ai essayé de reproduire cette expérience dans un ciné-parc près de New York. Cette fois-ci, un ami et moi avons été chassés par la sécurité. Ils n'avaient aucun intérêt à entendre parler de mes réflexions artistiques sur l'enregistrement du temps qui passe sous la forme d'improvisations d'images de type collage superposées. Nous avons donc dû sortir du ciné-parc et très rapidement.

Le photographe américain Robert Adams écrit sur les difficultés auxquelles les photographes sont souvent confrontés: le harcèlement de gardes trop zélés, de la police et d'autres brutes, qui ne comprennent tout simplement pas la dynamique artistique et les endroits inhabituels où elle emmène certains d'entre nous.

Une autre limitation intéressante de la prise de vue de longues expositions sur film avec un trépied était son caractère improvisé. Pour qu'une image soit enregistrée sur le film, l'obturateur devait être placé sur le réglage B, afin de rester ouvert pendant 20 à 30 secondes à F22. Parce que je voulais à la fois l'image floue superposée sur l'écran, tandis que le reste de l'environnement est mis au point aussi net que possible.

Pendant cette période d'exposition, je ne contrôlais pas ce qui était projeté sur l'écran. Cela a abouti à des compositions abstraites intéressantes. Je pensais que ce processus de photographie avait des similitudes avec l'improvisation jazz. Nous avons une mélodie ou un air général mais son développement et son départ sont laissés ouverts et soumis au hasard ou à d'autres facteurs non déterminés.

Par exemple, dans Drive-in 1, il y a une figure féminine assez symbolique et mystérieuse. Et en combinaison avec le chiffre 1 désignant l'écran, le récit est déjà devenu complexe avec de puissantes résonances et associations. Peu importe que le film diffusé à l'écran soit un film hollywoodien léger et romantique.

Ces images enregistrées, le temps enregistré vraiment, véhiculent souvent un profond sentiment mystérieux. On dirait que ces figures ou ces abstractions nous reviennent des profondeurs comme des souvenirs flous ou qu’elles viennent du subconscient.

Ces 30 secondes d'exposition continue ont produit un effet similaire à des expositions doubles ou multiples. Le mouvement et l'exposition continue à l'écran ont créé des dessins et des scènes qui intriguent le spectateur du ciné-parc et de la photographie. J'aime aussi la façon dont ces images donnent souvent l'impression que les écrans de cinéma flottent sur un océan obscur.





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